Kush e krijoi me të vërtetë Rodin "Mendimtari" ose "Vajtuesi": Kuptimi i vërtetë i veprave të famshme të artit

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. E modifikuara e fundit: 2023-12-16 00:17

Çdokush mund ta vërejë lehtësisht se tema e pikëllimit është shumë e popullarizuar tek artistët. Dhe shpesh njerëzit modern as nuk dinë për historinë e origjinës së disa pikturave ose skulpturave dhe kuptimin e tyre të vërtetë.

"Portreti i Venecias Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Duket se gruaja e re po fle e qetë. Sidoqoftë, kur artisti flamand Anthony van Dyck në 1633 u përpoq të përcillte në kanavacë të gjithë bukurinë aristokratike të Venecias Stanley, Lady Digby, ai në të vërtetë po pikturonte një portret … të një kufome dy ditore të shtrirë në shtratin e vdekjes.

I shqetësuar nga pikëllimi për të zbuluar se gruaja e tij kishte vdekur papritur gjatë natës, në moshën 33 -vjeçare, burri i Venecias, Sir Kenelm Digby, i kërkoi Van Dyck, piktorit të oborrit të Mbretit Charles I, të pikturonte gruan e tij të larguar para "kirurgëve dhe mjekëve ligjorë". mbërriti ".

Anthony van Dyck shkroi Venice, Lady Digby në shtratin e vdekjes në 1633 - dy ditë pasi gruaja vdiq në gjumë

Van Dijk filloi punën, duke injoruar ndryshimet e tmerrshme që ndodhin në trupin e njeriut pas vdekjes. Në qafën e zbehtë dhe simpatike të Venecias, ai vizatoi një gjerdan margaritar, dhe në skajin e çarçafit ai shpërndau petale trëndafili. Digby besonte se piktura e Van Dyck, e cila tani është në Galerinë e Arteve Dulwich në Londër, ishte arritja kurorëzuese e krijimit të artistit. Sipas tij, kjo "trëndafil" dukej "e venitur" edhe në shikim të parë dhe supozohej të simbolizonte vdekjen e gruas së tij.

Përkundër faktit se kanë kaluar pothuajse 4qind vjet, ende ka zëra se Digby, i cili nuk ishte vetëm një oborrtar dhe diplomat, por edhe një shpikës dhe alkimist, vetë shkaktoi vdekjen e gruas së tij. Disa thonë se ai i dha Venecisë një përzierje gjaku nepërkash për të pirë, me të cilën ai shpresonte të ruante bukurinë e saj. Të tjerët besojnë se ai e vrau atë në një gjendje xhelozie - në fund të fundit, ai gjoja tha një herë për ligësinë famëkeqe të Venecias se "një burrë i mençur dhe i fortë mund të bëjë një grua të ndershme edhe nga një punëtor bordello". Shtë interesante, megjithëse një autopsi u krye, rezultatet e saj nuk janë ruajtur.

Sidoqoftë, Digby e gjeti veten të shkatërruar nga vdekja e Venecias. Ai i shkroi vëllait të tij se portreti pas vdekjes i Van Dyck “është shoqëruesi i vetëm i vazhdueshëm që kam tani. Ai qëndron gjithë ditën para karriges dhe tryezës sime … dhe gjithë natën pranë shtratit. Kur drita e zbehtë e hënës bie mbi të, më duket se e shoh vërtet të vdekur.

Me fjalë të tjera, sipas letrës së Digby, piktura e vogël me vaj e Van Dyck, me madhësi më të vogël se një metër katror, është bërë një ngushëllim dhe ngushëllim për vejushin e pikëlluar. Nëse trëndafili në foto është me të vërtetë "emblema" e kalueshmërisë së jetës, vetë fotografia simbolizon atë që mund të quhet arti i trishtimit.

Përveç monumenteve funerale në kishat, të cilat u instaluan kryesisht në kujtim të të ndjerit, tema e pikëllimit në artin perëndimor para epokës së Van Dyck, në Mesjetë dhe gjatë Rilindjes, si rregull, u gjet vetëm në ato fetare piktura dhe skulptura kushtuar historisë tragjike të vdekjes së Krishtit. …

Pieta e Mikelanxhelos në Bazilikën e Shën Pjetrit

Pieta mahnitëse e mermerit e Mikelanxhelos në Bazilikën e Shën Pjetrit është vepra e vetme e skulpturës që ai ka firmosur ndonjëherë. Ajo përshkruan Virgjëreshën e pikëlluar me Krishtin e vdekur të shtrirë në prehrin e saj. Ky është ndoshta shembulli më i famshëm, por ka shumë të tjerë. Për shembull, mund të veçoni një pikturë nga një artist tjetër i Rilindjes së Lartë dhe mik i Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Sipas ekspertëve në Galerinë Kombëtare, piktura (mbi të cilën del Piombo punoi me Michelangelo) "Vajtimi i Krishtit të Vdekur" (c. 1512-1516) është "peizazhi i parë i natës në shkallë të gjerë në histori", dhe qielli i tij me hënë përputhet në mënyrë të përkryer me gjendjen e zymtë.

Pieta e Michelangelo në Bazilikën e Shën Pjetrit është një version i famshëm i një prej imazheve më të zakonshme në katolicizëm: pikëllimi i Virgjëreshës Mari për vdekjen e djalit të saj

Sigurisht, tema tradicionale e zisë për Krishtin është portretizuar nga shumë autorë të famshëm në historinë e artit, nga Giotto dhe Mantegna tek Rubens dhe Rembrandt. Këta janë vetëm disa nga mijëra artistë që kanë përshkruar këtë skenë biblike në një formë ose në një tjetër gjatë shekujve. Në të vërtetë, arti i zisë është bërë aq i kudondodhur sa ndonjëherë njerëzit harrojnë atë që po shikojnë. Kuratori i ekspozitës së re të Rodinit në Muzeun Britanik kohët e fundit botoi një artikull që sugjeronte që skulptura e famshme franceze Menduesi në fakt duhet të quhet Vajtuesi. "Shikoni nga afër dorën dhe mjekrën," tha Ian Jenkins, një autoritet në artin e lashtë grek. - Nëse ky person do të mendonte për diçka, ai do të kishte mbuluar mjekrën me dorën e tij në një gjest të menduari. Por në këtë skulpturë, dora mbështet mjekrën. Dhe në Greqinë e lashtë ishte një gjest zie”.

"Ishulli i të Vdekurve" nga Arnold Böcklin

Pikturë me vaj në dru nga Arnold Böcklin "Ishulli i të Vdekurve", 1880. Komploti i tij bazohet në mitologjinë e lashtë greke. Piktura frymëzoi filmin horror me të njëjtin emër nga Jacques Tourneur

Nëse futni fjalën "pikëllim" në një motor kërkimi në internet të çdo muzeu ndërkombëtar, do të kthejë shumë rezultate. Për shembull, në Mbretërinë e Bashkuar, një kërkim për këtë fjalë kyçe në faqen e internetit të Galerisë Tate ktheu 143 vepra arti me temën e pikëllimit dhe vuajtjes nga periudha të ndryshme.

Për shembull, në shekullin e 18 -të, artistët filluan të shikojnë pikëllimin dhe trishtimin përmes prizmit të dramës Shekspiriane. Një temë e preferuar ishte vdekja e vajzës së Mbretit Lear, Cordelia. Në shekullin e 19-të, piktura e John Everett Millais me detaje mahnitëse Ophelia (1851-52), për të cilën modelja Elizabeth Siddal pozoi për disa orë çdo ditë në vaskë për katër muaj, është një shprehje vizuale e famshme dhe shumë poetike e pikëllimit. Aty përshkruhet një fisnike daneze nga Hamleti i Shekspirit e cila u çmend nga pikëllimi për babanë e saj të vrarë dhe u mbyt në një përrua.

Mendimtari i Rodinit

Ian Jenkins nga Muzeu Britanik beson se Mendimtari i Rodin duhet të quhet Vajtuesi sepse figura e mbështeste mjekrën e tij në një grusht të shtrënguar - një shenjë e qartë se personi është tërhequr dhe është zhytur në pikëllimin e tij.

Pikëllimi ishte një temë shumë e rëndësishme për artistët gjatë epokës viktoriane, kur një "kulturë e zisë" komplekse ishte e popullarizuar. Në Artin e Vdekjes (1991), historiani i artit Nigel Llewellyn vëren se "një kulturë vizuale mbresëlënëse e vdekjes" ishte një shenjë dalluese e shekullit të 19 -të.

"Gruaja e qarë" nga Picasso

Në shekullin e 20 -të, artistët vazhduan traditën e paraardhësve të tyre viktorianë për të shprehur pikëllimin në veprat e tyre. Ndoshta shembulli më i mirë është Gruaja e Qarë e Pikasos (1937), e cila lidhet me pikturën e tij epike Guernica të të njëjtit vit, pikturuar gjatë Luftës Civile Spanjolle në përgjigje të bombardimeve të avionëve gjermanë në një qytet bask. Guernica konsiderohet nga shumë njerëz si shprehja përfundimtare e pikëllimit kolektiv të shekullit të 20 -të. Sigurisht, ka shumë shembuj të pikturave të tjera të shekullit të 20 -të, tema e të cilave lidhet me trishtimin. Për shembull, mund të kujtoni një pikturë të vogël të Lucian Freud, të pikturuar nga ai në 1973 - një portret i nënës së tij, i trishtuar nga vdekja e burrit të saj.

"Triptik" nga Francis Bacon

Francis Bacon pikturoi në panelin e majtë të Triptych (gusht 1972) i dashuri i tij George Dyer, i cili kreu vetëvrasje

Triptiku i Francis Bacon, i cili është gjithashtu i ekspozuar në Tate sot, ka arritur të prekë pikëllimin personal dhe publik. Një nga të ashtuquajturat Triptikët e Zi të Bacon u pikturua pas vetëvrasjes së të dashurit të tij George Dyer, imazhi i të cilit mund të shihet në panelin e majtë. Kështu, triptiku është një dëshmi e paharrueshme dhe shumë personale për vuajtjet e piktorit (e cila, rastësisht, përshkruhet në panelin e duhur).

Natyrisht, dy Luftërat Botërore në shekullin e 20 -të nuk mund të kishin një ndikim në art. Kritikët e artit argumentojnë se lufta kishte një efekt të thellë në mënyrën se si artistët e portretizuan pikëllimin, në krahasim me shekullin e 19 -të. Ndryshe nga zia Viktoriane, ku familjet individuale përjetuan pikëllimin individual, pothuajse çdo familje në Evropë vuajti papritur.

Përkujtimore të luftës

Një pasojë e kësaj ishte një përpjekje zyrtare e qeverisë për të "krijuar një kulturë të përshtatshme vizuale për zinë". Figurat klasike, alegorike të varrimit aq të dashura nga viktorianët dolën nga moda. Në vend të tyre ishin përkujtimore të luftës që theksonin sakrificën e përbashkët kombëtare dhe jo humbjen e individëve.

Memoriali i Luftës Cenotaph pranë Whitehall, Londër, i projektuar nga Edwin Lutyens, është një shembull arketipal i kësaj qasjeje të re: Në vend të figurave njerëzore, ekziston një arkivol bosh që mund të shoqërohet me çdo ushtar. Familjet e pikëlluara mund ta përdorin atë si një simbol universal.

Taryn Simon bëri instalimin "Pushtimi i Humbjes", i cili u ndoq nga 21 "vajtues profesionistë" nga kultura të ndryshme

Shkathtësia e pikëllimit është ende një temë e trajtuar nga artistët bashkëkohorë. Në fillim të këtij viti, fotografi amerikan Taryn Simon mori vlerësime të mira për instalimin e saj të drejtpërdrejtë Pushtimi i humbjes, vënë në skenë në një sallë nëntokësore në veri të Londrës. Për veprën, e cila u shfaq premierë në Nju Jork në 2016, Simon ftoi 21 "vajtues profesionistë" nga e gjithë bota, përfshirë Shqipërinë, Azerbajxhanin, Ekuadorin, Ganën dhe Venezuelën. Publiku mund të dëgjonte secilën prej këtyre grave.