9 kryevepra të artistëve brilantë që frymëzuan stilistë të mëdhenj të modës dhe krijuan koleksione unike

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. E modifikuara e fundit: 2023-12-16 00:17

Përgjatë historisë, moda dhe arti kanë ecur krah për krah për të krijuar një kombinim të mrekullueshëm. Shumë stilistë kanë huazuar ide nga lëvizjet artistike për koleksionet e tyre, gjë që ka lejuar që moda të interpretohet si një formë arti që kryesisht shërben për të shprehur ide dhe vizione. Të ndikuar nga kjo, disa stilistë të njohur ndërkombëtarisht kanë krijuar koleksione të jashtëzakonshme bazuar në lëvizjet artistike të shekullit të 20 -të.

1. Madeleine Vionne

E lindur në Francën veri-qendrore në 1876, Madame Madeleine Vionne njihej si "perëndeshë e stilit dhe mbretëreshë e rrobaqepësisë". Gjatë qëndrimit të saj në Romë, ajo ishte magjepsur nga arti dhe kultura e qytetërimeve greke dhe romake, dhe ishte frymëzuar nga perëndeshat dhe statujat e lashta. Bazuar në këto vepra arti, ajo formësoi estetikën e stilit të saj dhe kombinoi elemente të skulpturës dhe arkitekturës greke për t'i dhënë një dimension të ri trupit të femrës. Me aftësinë e saj në veshjen dhe fshirjen e veshjeve, Madeleine revolucionarizoi modën moderne. Ajo shpesh konsultohej me veprat e artit si Fitorja me krahë të Samothrace për koleksionet e saj të artit.

Ngjashmëritë midis kryeveprës së artit helenistik dhe muzës së Vionne janë të habitshme. Veshja e thellë e pëlhurës në stilin e kitonit grek krijon vija vertikale të dritës që rrjedhin poshtë figurës. Skulptura u krijua në nderim të Nike, perëndeshës greke të fitores, dhe admirohet për përshkrimin realist të lëvizjes. Pëlhura e rrjedhshme e modelit Vionnet të kujton lëvizjen e pëlhurës së fryrë që ngjitet në trupin e Nike. Veshjet mund të jenë si qenie të gjalla me një shpirt, si një trup. Ashtu si Fitorja me krahë e Samothrace, Madeleine krijoi fustane që zgjojnë thelbin njerëzor të fshehur thellë brenda. Klasicizmi, si filozofi estetike ashtu edhe filozofi e dizajnit, i dha Vionne mundësinë për të përcjellë vizionin e saj në harmoni gjeometrike.

Ajo ishte gjithashtu e magjepsur nga lëvizjet e artit bashkëkohor si Kubizmi. Madeleine filloi të përfshijë forma gjeometrike në krijimet e saj dhe miratoi një metodë tjetër të prerjes së tyre të quajtur prerje me pjerrësi. Sigurisht, Vionne kurrë nuk pretendoi se kishte shpikur prerjen e zhdrejtë, por vetëm e zgjeroi përdorimin e saj. Ndërsa gratë bënë përparim të madh në luftën për të drejtat e tyre në fillim të shekullit të njëzetë, Madeleine mbrojti lirinë e tyre duke hequr korset Victorian afatgjatë nga veshja e përditshme e grave. Prandaj, ajo u bë një simbol i çlirimit të grave nga shtrëngimi i bustierit dhe në vend të kësaj lëshoi pëlhura të reja, më të lehta që fjalë për fjalë rrodhën në trupat e grave.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli është projektuesi kryesor i Valentino dhe është shumë i tërhequr nga veprat fetare të Mesjetës. Pika fillestare e frymëzimit për të është momenti kalimtar nga Mesjeta në Rilindjen Veriore. Ai bashkëpunoi me Zandra Rhodes dhe së bashku ata zhvilluan një koleksion frymëzues në Pranverën 2017. Piccioli donte të lidhte kulturën punk të fundit të viteve 70 me humanizmin dhe artin mesjetar, kështu që ai u kthye në rrënjët e tij dhe në Rilindje, duke gjetur frymëzim në pikturën e Hieronymus Bosch, Kopshti i kënaqësive tokësore.

Piktori i famshëm holandez ishte një nga përfaqësuesit më të shquar të Rilindjes Veriore në shekullin e 16 -të. Në "Kopshtin e kënaqësive tokësore", të cilën Bosch e pikturoi para Reformimit, artisti donte të përshkruante Parajsën dhe krijimin e njerëzimit, tundimin e parë të Adamit dhe Evës, si dhe Ferrin, duke parashikuar mëkatarët. Në panelin qendror, njerëzit duket se po kënaqin orekset e tyre në një botë kënaqësie. Ikonografia e Bosch spikat për origjinalitetin dhe sensualitetin e saj. E gjithë fotografia interpretohet si një alegori e mëkatit.

Në botën e modës, piktura fitoi popullaritet pasi stilistë të ndryshëm të modës ishin magjepsur nga motivet e saj. Duke përzier epoka dhe estetikë, Piccioli riinterpretoi simbolet e Bosch me fustane tejdukshëm, ndërsa Rhodes krijoi printime romantike dhe modele të qëndisura pak të ngjashme me veprat artistike origjinale. Ngjyrat ishin sigurisht pjesë e mesazhit që projektuesit donin të përcillnin. Kështu, koleksioni i fustaneve ëndërrimtarë fluturues bazohet në gamën veriore të ngjyrave të vezëve robin të gjelbër të mollës, rozë të zbehtë dhe blu.

3. Dolce dhe Gabbana

Peter Paul Rubens i pikturoi me mjeshtëri gratë me dashuri, mësim dhe zell. Ai paraqiti "Venusin e tij para pasqyrës" si simbolin më të lartë të bukurisë. Pjetri portretizoi ekskluzivisht fytyrën e saj të lehtë dhe flokët bjonde, të cilat kontrastojnë me shërbëtoren me lëkurë të errët. Pasqyra është një simbol absolut i bukurisë, e cila kornizon një grua si një portret, dhe në të njëjtën kohë thekson në mënyrë delikate lakuriqësinë e figurës. Pasqyra që Cupid mban për perëndeshën tregon pasqyrimin e Venusit si një përfaqësim i tërheqjes dhe dëshirës erotike. Rubens, i cili ishte një nga themeluesit e artit barok, dhe koncepti i tij i "ngjyrave mbi linjat" ndikoi në disa stilistë të modës, përfshirë Dolce & Gabbana. Stili barok devijoi nga fryma e Rilindjes, braktisi qetësinë dhe shkëlqimin dhe në vend të kësaj kërkoi elegancë, eksitim dhe lëvizje.

Dizajnerët e modës Domenico Dolce dhe Stefano Gabbana donin të krijonin një fushatë që do të festonte anën sensuale dhe romantike të bukurisë femërore. Peter Paul Rubens ishte burimi më i përshtatshëm i frymëzimit. Krijimet e dyshes së kultit ishin në harmoni të madhe me artin e artistit flamand. Në këtë koleksion, modelet pozuan me fisnikëri të madhe, duke u dukur sikur sapo kishin zbritur njërën nga pikturat e Rubens. Dekorimet u krijuan që të ngjanin me pasqyrat barok dhe detajet e qëndisjes. Hijeshia e figurave dhe paleta e ngjyrave pastel u theksuan bukur nga fustani rozë i brokadës. Zgjedhja e stilistëve të modës për të përfshirë një larmi modele kontribuoi më tej në llojin e trupit të asaj epoke. Linjat e lakuara që Dolce dhe Gabbana përdornin ishin kundër diskriminimit të llojeve të ndryshme të trupit në industrinë e modës.

Koleksioni Dolce and Gabbana Women Fall 2012 paraqet shumë nga tiparet e arkitekturës baroke italiane. Ky koleksion përputhet në mënyrë të përkryer me karakteristikat e dekoruara në mënyrë të pasur të stilit barok sicilian. Projektuesit u përqëndruan në arkitekturën barok, siç shihet në kishat katolike të Sicilisë. Pika referuese ishte piktura e Rubens "Portreti i Anës së Austrisë". Në portretin e saj mbretëror, Anna e Austrisë përshkruhet në modën spanjolle. Fustani i zi i Anës është zbukuruar me vija vertikale të qëndisjes jeshile dhe detaje ari. Veshjet dhe pelerinat e dizajnuara me mjeshtëri të bëra nga tekstile luksoze si dantella dhe brokada janë bërë tipari kryesor i shfaqjes Dolce dhe Gabbana, të cilët pushtuan botën me krijimtarinë e tyre.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga mund të quhet një mjeshtër i vërtetë që reformoi modën e grave në shekullin XX. I lindur në një fshat të vogël në Spanjë, ai solli thelbin e historisë së artit spanjoll në projektet e tij bashkëkohore. Gjatë gjithë karrierës së tij, Balenciaga ishte i impresionuar nga Rilindja Spanjolle. Ai shpesh kërkonte frymëzim nga familja mbretërore spanjolle dhe anëtarët e klerit. Dizajneri i modës i transformoi sendet e kishës dhe rrobat monastike të epokës në kryevepra të veshshme të modës.

Një nga frymëzimet e tij të mëdha ishte manikyisti El Greco, i njohur gjithashtu si Dominikos Theotokopoulos. Duke parë Kardinalin El Greco Fernando Niño de Guevara, mund të shihni ngjashmëritë midis pelerinës së kardinalit dhe modelit të Balenciaga. Piktura përshkruan kardinalin spanjoll Fernando Niño de Guevara të kohës së El Greco në Toledo. Idetë e El Greco u huazuan nga Neoplatonizmi i Rilindjes Italiane, dhe në këtë portret ai paraqet kardinalin si një simbol të hirit të Zotit. Mënyra është e pranishme në të gjithë figurën. Kjo vërehet në një figurë të zgjatur me një kokë të vogël, gjymtyrë të këndshme, por të çuditshme, ngjyra intensive dhe refuzim të masave dhe përmasave klasike.

Pasioni i Balenciaga për veshjet historike është i dukshëm në këtë pallto ekstravagante të mbrëmjes nga koleksioni i tij i vitit 1954. Ai kishte vizionin dhe aftësinë për të shpikur forma në modën moderne. Qafa e ekzagjeruar e kësaj pallto i bën jehonë stilit të gjerë të pelerinës së një kardinali. Ngjyra e kuqe e rrobave të kardinalit simbolizon gjakun dhe gatishmërinë e tij për të vdekur për besimin. E kuqja e gjallë u konsiderua nga stilisti i famshëm si i jashtëzakonshëm, pasi ai shpesh preferonte kombinime të guximshme ngjyrash dhe nuanca të gjalla. Risia e tij e madhe ishte eliminimi i vijës së belit dhe futja e linjave që rrjedhin, prerje të thjeshta dhe mëngë prej tre të katërtash. Duke bërë këtë, Balenciaga bëri revolucion në modën e grave.

Dizajneri gjithashtu prezantoi mëngë me byzylyk që i lejonin gratë të shfaqnin bizhuteritë e tyre. Në vitet 1960, me futjen graduale të grave në industrinë e punës, Balenciaga kishte një ide për t'u dhënë rehati, liri dhe funksionalitet grave që vishej. Ai promovoi veshje të lirshme dhe të rehatshme që binin në kontrast me siluetat e ditës.

5. Alexander McQueen

Artisti austriak, mjeshtër i simbolikës dhe themelues i lëvizjes së Vjenës për shkëputje, Gustav Klimt hodhi themelet për historinë e artit të shekullit të 20 -të. Pikturat dhe estetika e tij artistike kanë frymëzuar prej kohësh stilistët e modës. Të tjerë si Aquilano Rimondi, L'Rene Scott dhe Christian Dior, projektuesi që i referohej drejtpërdrejt Klimt ishte Alexander McQueen. Në koleksionin Resort Pranverë / Verë 2013, ai ka dizajnuar pjesë unike që duket se janë frymëzuar nga puna e artistit. Duke parë një fustan të zi të rrjedhshëm me një model ari të përsëritur në krye - një fotografi specifike mund të vijë në mendje. McQueen ka përdorur modele abstrakte, gjeometrike dhe mozaike në tonet prej bronzi dhe ari, duke i përfshirë ato në modelet e tij.

Në vitin 1905, Gustav Klimt pikturoi pikturën "Përqafimi", duke përshkruar një çift të kapur në një përqafim të butë, i cili u bë një simbol i dashurisë. Artisti austriak është i njohur për pikturat e tij të arta, si dhe kombinimin e përsosur të abstraksionit dhe ngjyrës të pranishëm në këto vepra. Të gjithë mozaikët kanë tone të pasura ari me zbukurime kaleidoskopike ose natyrore që kanë pasur një ndikim të madh në modë. Kjo pikturë është goditëse për shkak të formave gjeometrike të kundërta midis rrobave të dy të dashuruarve. Veshja e burrave përbëhet nga sheshe të zeza, të bardha dhe gri, ndërsa veshja e grave është zbukuruar me rrathë ovale dhe motive lulesh. Kështu, Klimt ilustron me mjeshtëri ndryshimin midis maskulinitetit dhe feminitetit. Aleksandri miratoi diçka të ngjashme për rrobat e tij.

6. Christian Dior

Themeluesi i Impresionizmit dhe një nga piktorët më të mëdhenj francezë në historinë e artit, Claude Monet la pas një trashëgimi të madhe artistike. Duke përdorur shtëpinë dhe kopshtin e tij në Giverny për frymëzim, Monet kapi peizazhin natyror në pikturat e tij. Në veçanti, në pikturën "Kopshti i Artistit në Giverny" ai arriti të manipulojë peizazhin natyror në përputhje me nevojat e tij. Kontrasti i pista të papastërtisë kafe kundër ngjyrës së gjallë të luleve plotëson skenën. Impresionisti i famshëm shpesh zgjodhi lulen e irisit për shkak të ngjyrës së saj vjollce për të krijuar efektin e një dielli të ndritshëm. Kjo pikturë është plot jetë ndërsa lulet lulëzojnë dhe përshëndesin, duke përqafuar pranverën. Petalet e trëndafilit dhe jargavanit, iriset dhe jasemini janë pjesë e një parajse shumëngjyrëshe të përshkruar në kanavacë të bardhë.

Në të njëjtën mënyrë, Christian Dior, një pionier i modës franceze, la një shenjë të madhe në botën e modës që ndihet edhe sot. Në 1949 ai krijoi një koleksion të modës së lartë për sezonin pranverë / verë. Një nga pikat kryesore të kësaj ekspozite ishte fustani ikonik Dior, i qëndisur plotësisht me petale lulesh në nuanca të ndryshme rozë dhe vjollce. Dior ilustroi në mënyrë perfekte dy botët e artit dhe modës dhe imitoi estetikën e Monet në këtë veshje funksionale. Ai kaloi shumë kohë në fshat, duke pikturuar koleksionet e tij në kopshtin e tij në Granville, siç bëri Monet. Kështu, ai përcaktoi stilin elegant Dior duke përfshirë gamën e ngjyrave të Monet dhe modelet me lule në krijimet e tij.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian ishte një nga artistët e parë që krijoi art abstrakt në shekullin e 20 -të. I lindur në Holandë në 1872, ai themeloi një lëvizje të tërë artistike të quajtur De Stijl. Qëllimi i lëvizjes ishte të bashkonte artin dhe jetën bashkëkohore. Ky stil, i njohur gjithashtu si neoplasticizëm, ishte një formë e artit abstrakt në të cilin përdorimi i vetëm parimeve gjeometrike dhe ngjyrave kryesore si e kuqja, bluja dhe e verdha u kombinua me ato neutrale (e zezë, gri dhe e bardhë). Stili novator i Pete në fillim të viteve 1900 detyroi stilistët e modës të riprodhonin këtë lloj të pastër të artit abstrakt. Shembulli më i mirë i këtij stili të pikturës është Përbërja me ngjyra të kuqe, blu dhe të verdhë.

Një dashnor i artit, stilisti francez i modës Yves Saint Laurent përfshiu pikturat e Mondrian në krijimet e tij të modës së lartë. Ai u frymëzua për herë të parë nga puna e Pete kur lexoi një libër për jetën e artistit që nëna e tij i dha për Krishtlindje. Projektuesi shprehu vlerësimin e tij për artistin në koleksionin e tij të vjeshtës të vitit 1965, i njohur si koleksioni Mondrian. Frymëzuar nga linjat gjeometrike dhe ngjyrat e guximshme të artistit, ai prezantoi gjashtë fustane koktej që festuan stilin e tij ikonik dhe epokën e viteve gjashtëdhjetë në përgjithësi. Secila nga veshjet e Mondrian ishte paksa e ndryshme, por të gjitha kishin një formë të thjeshtë të linjës A dhe një gjatësi të gjurit pa mëngë që ishte perfekte për çdo lloj trupi.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, e lindur në 1890 në një familje aristokratike në Romë, shpejt shprehu dashurinë e saj për botën e modës. Ajo filloi të zhvillojë stilin e saj revolucionar, të frymëzuar nga futurizmi, dada dhe surrealizmi. Ndërsa karriera e saj përparonte, ajo ndërveproi me surrealistë dhe dadaistë të famshëm si Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp dhe Jean Cocteau. Ajo madje bashkëpunoi me artistin spanjoll Salvador Dali.

Një nga bashkëpunimet më të mëdha në historinë e modës ishte bashkëpunimi midis Dali dhe Elsa Schiaparelli. Ky fustan u krijua me Salvador Dali si pjesë e koleksionit të cirkut të Schiaparelli në verën e vitit 1938. Veshja i referohet pikturës së Dali, në të cilën ai përshkruante gra me përmasa të shtrembëruara të trupit.

Për artistët surrealistë, kërkimi i gruas ideale ishte i dënuar me dështim, pasi ideali ekzistonte vetëm në imagjinatën e tyre, jo në realitet. Sidoqoftë, Dali nuk ishte qëllimi për t’i portretizuar gratë në mënyrë reale, kështu që trupat e tyre nuk janë aspak estetikë. Schiaparelli donte të eksperimentonte me këtë lojë të fshehjes dhe zbulimit të trupit, duke krijuar iluzionin e cenueshmërisë dhe pasigurisë. Fustani me iluzionin e lotëve ishte bërë nga krep mëndafshi i kaltër i zbehtë, duke i bërë haraç Salvadorit dhe grave të tij joproporcionale.

9. Gianni Versace

Epoka e Artit Pop ishte ndoshta periudha më me ndikim për stilistët dhe artistët e modës në historinë e artit. Andy Warhol ishte pionier i përzierjes së kulturës pop dhe modës së lartë, duke e bërë atë një simbol ikonik të lëvizjes së artit pop. Në vitet gjashtëdhjetë, Warhol filloi të praktikonte teknikën e tij të nënshkrimit të njohur si shtypja e ekranit të mëndafshit.

Një nga veprat e tij më të hershme dhe padyshim më të famshme ishte Marilyn Diptych. Për këtë pjesë, ai mori frymëzim jo vetëm nga kultura pop, por edhe nga historia e artit dhe artistët abstrakt ekspresionistë. Andi kapi dy botët e Marilyn Monroe, jetën shoqërore të një ylli të Hollivudit dhe realitetin tragjik të Norma Jeane, një grua që luftoi me depresionin dhe varësinë. Diptiku intensifikon dridhjen në të majtë, ndërsa në të djathtë zhduket në errësirë dhe errësirë. Në përpjekje për të përfaqësuar një shoqëri konsumatore dhe materializëm, ai portretizoi individët si produkte dhe jo si njerëz.

Dizajneri italian Gianni Versace kishte një miqësi të gjatë me Andy Warhol. Të dy burrat ishin të magjepsur nga kultura popullore. Për të nderuar Warhol, Versace i kushtoi koleksionin e tij Pranverë / Verë të vitit 1991. Njëra prej fustaneve kishte printime të Warhol me Marilyn Monroe. Ai përfshiu portretet mëndafshi të gjallë të Marilyn dhe James Dean nga vitet 1960 në funde dhe fustane maxi.

Dhe në vazhdim të temës së modës, bukurisë dhe ideve të jashtëzakonshme, lexoni gjithashtu se si artistët modernë e kanë kthyer përbërjen në një vepër të vërtetë arti.