7 kryeveprat e Hermitacionit që ia vlen të shihen në vitin 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. E modifikuara e fundit: 2023-12-16 00:17

Shkencëtarët kanë provuar prej kohësh se arti ka një efekt të dobishëm në shëndetin e njeriut duke zvogëluar nivelin e ankthit dhe stresit në trup. Kjo është veçanërisht e vërtetë për artet e bukura dhe soditjen e së bukurës. Prandaj, në mënyrë që viti 2020 të mbushet me një gjendje të favorshme të trupit dhe shpirtit, ia vlen të vizitoni Hermitation dhe të shihni ekspozitat më të famshme të muzeut.

"Apostujt Pjetri dhe Pali" nga El Greco

El Greco është një nga artistët më të ndritshëm dhe më origjinalë. Me origjinë greke, ai studioi pikturë në Itali në punëtorinë e Titianit të madh. Ai mësoi teknikën e vajit nga idhulli i tij dhe gjithashtu u frymëzua nga teknikat artistike të Manierizmit Italian. El Greco u dallua midis kolegëve të tij për origjinalitetin e stilit dramatik ekspresiv. Në portretet e tij, ai i kushtoi vëmendje të madhe karakterizimit psikologjik. Në këtë pikturë nga Hermitage, artisti përfaqëson dy lloje të ndryshme njerëzish. Në të majtë është Apostulli Pjetër, i cili mohoi ekzistencën e Krishtit tri herë. Fytyra e tij përcjell trishtim dhe pasiguri, ndërsa gjestet e tij ngjyrosen me pendim dhe përgjërim. Apostulli Pal, i cili, siç e dini, ishte fillimisht një persekutues i zellshëm i të krishterëve, në figurë tregon entuziazëm shpirtëror në pohimin e së vërtetës. Gjestet e dorës që formojnë qendrën kompozicionale të veprës shprehin një dialog që bashkon dy apostujt.

Pjetri me flokë gri, i mbështjellë me një mantel të artë, anoi kokën në anën. Në dorën e majtë ai mban simbolin e tij - çelësin e Mbretërisë së Qiellit. Pavel shtyp fort dorën e majtë në volumin e hapur në tryezë, dora e tij e djathtë ngrihet në një gjest sqarimi kur shikon drejtpërdrejt shikuesin. Shën Pjetri dhe Shën Pali shfaqen shumë herë në veprën e El Grekos dhe ato përshkruhen me një qëndrueshmëri të habitshme. Artisti gjithmonë i tregon Petrës me flokë gri dhe mjekër, dhe ai shpesh vesh një mantel të verdhë mbi një tunikë blu. Pali është gjithmonë pak tullac, me flokë të errët dhe mjekër, me një mantel të kuq mbi rroba blu ose jeshile.

"E penduar Maria Magdalena" nga Titian

E penduar Maria Magdalena është një portret i Shën Marisë Magdalenë Titian nga rreth 1531, me nënshkrimin "TITIANUS" në anijen në të majtë. Sipas komplotit, kjo është një grua me një të kaluar të shpërbërë, e cila, sipas Ungjillit (Luka 7, 36-50), erdhi në shtëpinë e Simon Farisenit për t'i kërkuar Jezusit falje. Shtë një figurë femërore e portretizuar nga Titiani me goditje të trasha, të koncentruara dhe tone të ngrohta. Paleta nxjerr në pah sytë e pabesueshëm të njomur me lot kristali. Flokët bjonde bakri që mbulojnë figurën janë shkruar në mënyrë të mahnitshme. Tema e Mary Magdalenes së penduar, duke ngritur sytë drejt qiellit, fitoi popullaritet të madh në Itali në shekullin e 16 -të midis aristokratëve, udhëheqësve fetarë dhe klasës së mesme të pasur. Mungesa e veshjeve simbolizon refuzimin e Magdalenës nga bizhuteri, ari dhe hobi të botës për hir të besimit në Krishtin. Për më tepër, flokët e artë dhe figura e përgjithshme e Magdalenës plotësojnë standardet e bukurisë së Rilindjes.

"Madonna Litta" nga Leonardo da Vinci

Piktura mori emrin nga familja fisnike milaneze, në koleksionin e së cilës u gjet për pjesën më të madhe të shekullit XIX. Në 1865, cari rus Aleksandri II bleu kanavacën për Hermitage, ku shfaqet edhe sot e kësaj dite. Kjo vepër përshkruan Madonën që ushqen me gji fëmijën e Krishtit. Vini re mungesën e fantazmave në këtë fotografi. Një numër i pikturave të Leonardos demonstrojnë të njëjtën veçori. Figurat janë vendosur në një brendshme të errët me dy hapje të harkuar që tregojnë një pamje të peizazhit malor. Një detaj interesant: në qendër të figurës, në dorën e majtë të Krishtit, është një arrë, e cila është një simbol i pasionit të Krishtit.

Ndjenja e gëzimit të mëmësisë në pikturën "Madonna Litta" është përshkruar veçanërisht me kënaqësi falë pasurisë së vetë imazhit të Marisë - këtu ajo gjeti shprehjen e saj të pjekur të bukurisë femërore të Leonardo. Fytyra e butë dhe e bukur e Madonës i jep një shpirt të veçantë syve gjysmë të mbyllur dhe një buzëqeshje të lehtë. Përbërja e pikturës është e mrekullueshme në qartësinë dhe përsosjen e saj goditëse. Madona dhe Fëmija ishin një motiv i zakonshëm në artin e krishterë gjatë Mesjetës dhe vazhduan në Rilindje.

"Lojtari i lahutës" Caravaggio

Piktura është porositur nga Kardinali Francesco del Monte, i cili patronizoi artistin. Caravaggio portretizoi një të ri të magjepsur nga muzika: shikimi i tij është plot frymëzim, gishtat e tij kapen për telat. Figura e një të riu me një këmishë të bardhë qëndron qartë në një sfond të errët. Ndriçimi i ashpër anësor dhe hijet në rënie u japin objekteve një vëllim dhe peshë pothuajse të perceptueshme. Objektet e vendosura në foto dëshmojnë për dashurinë e madhe të artistit për botën përreth tij, dëshirën e tij për të riprodhuar me të vërtetë natyrën, për të përcjellë cilësinë materiale të çdo detaji. Në fletoren e shtrirë përballë heroit me një lahutë, janë shënuar shënimet fillestare të madrigalit popullor në shekullin e 16 -të "Ti e di që të dua".

Dashuria si temë e kësaj vepre tregohet edhe nga objekte të tjera. Për shembull, lahuta e plasur ishte një metaforë për dashurinë që dështon. Në agimin e krijimtarisë, Caravaggio shpesh u jepte të rinjve tipare femërore, të cilat, megjithatë, ishin tipike për artin italian të fundit të shekullit të 16 -të. Shtë interesante që muzikanti nga piktura nga Hermitage shpesh gabohej për një vajzë, dhe përbërja u quajt "Luhatësi i lahutës".

"Zonja me Blu" Thomas Gainsborough

Një nga veprat më të mira të artistit - "Zonja me Blu" - u krijua nga Gainsborough në kulmin e fuqive të tij krijuese. Figura e një gruaje të re me një fustan të hapur prej pëlhure të bardhë transparente del butësisht në një sfond të errët. Flokët e saj me pluhur janë stiluar në një hairstyle të çuditshme. Kaçurrela të mëdha bien mbi supet e pjerrëta. Freskia e fytyrës rinore theksohet nga buzët gjysmë të hapura dhe sytë e errët në formë bajame. Me një lëvizje të lehtë të dorës së djathtë, ajo mban shallin e mëndafshit blu. Tonet gri, të kaltërosh, rozë dhe të bardhë këtu dhe atje rriten me goditje të ndritshme, dhe ndihmojnë për të përcjellë elegancën dhe bukurinë e modelit.

Guximi i teknikave piktorike të Gainsborough mahniti bashkëkohësit e tij. Pra, Reynolds vuri në dukje "pika dhe tipare të çuditshme" në pikturat e Gainsborough, "të cilat duken më shumë të ngjarë rezultat i rastësisë sesa një qëllim i ndërgjegjshëm". Thisshtë kjo traditë jo-akademike që është një nga arritjet më të mëdha të Gainsborough. "Zonja me Blu" hyri në Hermitage në 1916 nga koleksioni i A. 3. Khitrovo me testament.

Kthimi i djalit plangprishës nga Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Kjo kryevepër e artit biblik konfirmon edhe një herë statusin e Rembrandt si një nga piktorët më të mirë të të gjitha kohërave dhe më i madhi i të gjithë Mjeshtrave të Vjetër në përshkrimin e skenave biblike. Piktura Kthimi i Birit Plangprishës, e përfunduar nga artisti në vitet e fundit të jetës së tij, përshkruan një skenë nga shëmbëlltyra e Lukës 15: 11–32. Sipas kritikut të shquar të artit Kenneth Clarke, kanavacë është një nga pikturat më të mëdha të të gjitha kohërave. Sipas komplotit, babai, ashtu si patriarku, vendos duart mbi supet e një të penduari të rruar dhe të veshur me rroba të lodhura. Sytë e tij janë pothuajse të mbyllur. Akti i faljes bëhet bekim i një sakramenti pothuajse sakramental.

Kjo është një pamje me spiritualitetin më të madh, të lirë nga të gjitha aspektet anekdotike, në të cilën të gjitha lëvizjet dhe veprimet janë ndalur. Skena zhytet në errësirë, si një tunel, nga i cili fytyrat e babait dhe djalit të tij të madh shkëlqejnë zbehtë. Rrobat e tyre të kuqe i japin shkëlqim këtij errësire. Rembrandt ka pikturuar në mënyrë të përsëritur në temën e djalit plangprishës, por në këtë version vaji monumental ai arriti në më emocionuesin e tij - dhe falë kontrastit të djalit më të madh dhe më të ri (plangprishës) - formulimit psikologjikisht më të vështirë.

"Vallëzimi" nga Henri Matisse

"Vallëzimi" është një nga veprat më të famshme të Henri Matisse - një ode për jetën, gëzimin, refuzimin fizik dhe një simbol të artit bashkëkohor. Pjesa u porosit nga koleksionisti me ndikim rus Sergei Shchukin në 1909 për të dekoruar rezidencën e tij. E karakterizuar nga thjeshtësia dhe energjia e saj, kjo orgji artistike la një shenjë të pashlyeshme në artin e shekullit të 20 -të. Vallëzimi u shkrua në kulmin e estetikës fauviste dhe mishëron emancipimin e traditave tradicionale artistike perëndimore. Zgjedhja estetike e Henri Matisse për këtë pikturë shkaktoi një skandal të vërtetë në sallonet e artit në 1910. Lakuriqësia e guximshme dhe nuancat e ashpra i dhanë fotografisë një karakter të jashtëzakonshëm për atë kohë, i cili në sytë e disa shikuesve dukej barbar.

Matisse përdori vetëm tre ngjyra për të përshkruar këtë valle: blu, jeshile dhe të kuqe. Në përputhje me shoqatat tradicionale të ngjyrave fauviste, këto tre hije krijojnë kontrast intensiv. Sidoqoftë, qëllimi i Matisse nuk ishte të trondiste auditorin. Përkundrazi, ai kërkoi të bashkonte njerëzit me njëri -tjetrin dhe me natyrën. Siç tha artisti, "Ajo për të cilën ëndërroj është një art i balancuar, i pastër dhe i qetë që mund të shmangë telashet ose zhgënjimet".