Si pikturat e artistëve të famshëm u bënë pjesë e modës, duke formuar një stil të ri të shekullit XX

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. E modifikuara e fundit: 2023-12-16 00:17

Lidhjet midis artit dhe modës përcaktojnë momente specifike në histori. Të dyja këto media pasqyrojnë ndryshimet shoqërore, ekonomike dhe politike nga të njëzetat që ulërinin në vitet tetëdhjetë të gjallë. Këtu janë katër shembuj të artistëve dhe stilistëve të modës të cilët, përmes punës së tyre, ndihmuan në formimin e një perspektive të re mbi artin dhe modën e shekullit të 20 -të.

1. Halston & Warhol: Vëllazëria e Modës

Miqësia midis Roy Halston dhe Andy Warhol përcaktoi botën artistike. Të dy Roy dhe Andy ishin udhëheqës që hapën rrugën për ta bërë artistin / stilistin një personazh të famshëm. Ata hoqën stigmën pretenduese të botës së artit dhe sollën modën dhe stilin tek masat. Warhol përdori shtypjen e ekranit të mëndafshit disa herë për të krijuar imazhe. Edhe pse ai me siguri nuk e shpiku procesin, ai revolucionarizoi idenë e prodhimit në masë.

Roy përdori pëlhura dhe modele që ishin të thjeshta dhe elegante por magjepsëse me përdorimin e tij të xixa, ultra dhe mëndafshi. Ai ishte një nga të parët që e bëri modën amerikane të arritshme dhe të dëshirueshme. Të dy lanë shenjën e tyre përfundimtare në art dhe stil gjatë viteve 1960, 70 dhe 80, i cili vazhdon edhe sot e kësaj dite.

Roy dhe Andy kanë punuar së bashku në shumë projekte të ndryshme. Warhol krijoi fushata reklamuese që paraqisnin veshjet e Halston dhe madje edhe vetë Halston. Nga ana tjetër, Halston përdori printin me lule Warhol në disa nga koleksionet e tij të veshjeve, nga fustanet e mbrëmjes deri tek setet e kohës së lirë.

Roy përdori modele të thjeshta në rrobat e tij, gjë që i bëri ato shumë të suksesshme. Ato ishin të rehatshme për tu veshur, por gjithashtu kishin një prekje luksi falë pëlhurave, ngjyrave dhe printimeve. Warhol gjithashtu thjeshtoi materialet dhe procesin e tij. Kjo e bëri më të lehtë riprodhimin e veprës së tij dhe i bëri ato më të shitshme.

Suksesi komercial ka pasur sfidat e veta për të dy artistët. Halston ishte i pari që bashkëpunoi me zinxhirin e shitjes me pakicë JCPenney në 1982 dhe kjo ka ndikuar në cilësinë e markës së tij. Warhol gjithashtu u prit me kritika, pasi puna e tij u perceptua si sipërfaqësore. Sidoqoftë, të dy kanë modernizuar përdorimin e tyre me pakicë dhe marketing në hapësirat e tyre përkatëse për të krijuar marka për shitje në tregun masiv.

Roy dhe Andy ishin vizitorë të shpeshtë në Studio 54. Ata organizuan festa, krijuan dhe prodhuan vepra për të famshëm si Liza Minnelli, Bianca Jagger dhe Elizabeth Taylor. E gjithë kjo pasqyrohet në punën e tyre pasi frymëzuan dhe përcaktuan epokën e disko të viteve 1970.

Halston ishte i njohur për krijimin e veshjeve të shkëlqyeshme të mbrëmjes. Roy i vendosi xixat horizontalisht në pëlhurë, duke krijuar një efekt shkëlqyes të materialit që ai përdori për të krijuar veshje luksoze të dashur nga shumë zonja joshëse.

Seria e këpucëve të pluhurit Diamant Warhol ilustron jetën e natës të Studio 54 dhe të famshmit që jetojnë atje. Pluhuri i diamantit është ajo që ai përdori mbi klishe ose piktura, duke krijuar një element shtesë thellësie për pjesën. Dhe këpucët e tij ishin fillimisht ideja për fushatën reklamuese të Halston. Në çdo rast, këta të dy dhanë një kontribut të madh në modë, duke lënë një shenjë të pashlyeshme pas tyre. Në të vërtetë, edhe sot, shumë stilistë modernë frymëzohen nga idetë e Andy dhe Roy, duke krijuar koleksione madhështore me jehonën e së kaluarës.

2. Sonia Delaunay: Kur arti bëhet modë

Sonia Delaunay jo vetëm që revolucionarizoi një formë të re të kubizmit, por gjithashtu prezantoi lidhjen midis artit dhe modës. Të dy Delaunay dhe burri i saj ishin pionierë të Orfizmit dhe eksperimentuan me forma të ndryshme abstraksioni në art. Ajo ishte e para në llojin e saj që përdori stilin e saj artistik dhe kaloi në botën e modës duke përdorur modelet, stampimet ose modelet e saj origjinale të tekstilit. Ajo mbahet mend më shumë për artin dhe lidhjen me burrin e saj sesa për modën e saj. Stili i saj luajti një rol të madh në vitet 1920, dhe katalogu i veshjeve të saj mbahet mend më shumë për fotografitë dhe referencat për artin e saj sesa vetë veshjet. Për Sonya, nuk kishte dhe nuk ka kufi midis artit dhe modës. Për të, ata janë një dhe të njëjtë.

Ajo filloi biznesin e saj të modës në vitet 1920, duke krijuar rroba për klientët dhe duke dizajnuar pëlhura për prodhuesit. Sonya e quajti etiketën e saj Simultan dhe shkoi edhe më tej me përdorimin e ngjyrës dhe modelit në tema të ndryshme. Njëkohësia luajti një rol të rëndësishëm në punën e saj dhe teknika e saj e pazakontë të kujtonte një jorgan me lara -lara ose tekstile nga Evropa Lindore: ngjyrat u mbivendosën mbi njëra -tjetrën dhe modelet u përdorën për të krijuar harmoni dhe ritëm. Temat e saj të zakonshme përfshijnë sheshe / drejtkëndësha, trekëndësha dhe vija diagonale ose sfera - të gjitha këto mbivendosen në modelet e saj të ndryshme.

Delaunay ishte një grua e re gjatë epokës Edwardian, kur korset dhe konformiteti ishin norma. Kjo ndryshoi në vitet 1920 kur gratë filluan të vishnin funde mbi gju dhe veshje të lirshme dhe të përshtatshme. Ky aspekt mund të shihet në modelet e Delaunay dhe ajo ishte e apasionuar pas krijimit të rrobave që i përshtaten nevojave të grave. Sonya zhvilloi rroba banje që i lejonin gratë të ndiheshin më rehat, edhe kur luanin sport dhe not. Ajo vendosi stampat e saj në pallto, këpucë, kapele dhe madje edhe makina, duke përdorur çdo sipërfaqe si kanavacë. Dizajni i saj krijoi lirinë e lëvizjes dhe shprehjes përmes ngjyrës dhe formës.

Gjatë gjithë karrierës së saj, ajo vazhdimisht provoi veten në diçka të re, dhe si rezultat, u transferua në kinema dhe teatër. Sonia ka dizenjuar kostumet për The Little Parisian të Rene Le Somptier, ndërsa bashkëshorti i saj ka bërë setin për filmin. Ajo ishte e dhënë pas formave gjeometrike, duke i kombinuar dhe përzier ato me mjeshtëri, duke krijuar modele të çuditshme dhe linja të thyera që janë bërë shenjë dalluese e saj.

3. Bashkëpunimi midis Elsa Schiaparelli dhe Salvador Dali

Avangarda e artit surreal kombinohet me udhëheqësin e modës surreale. Salvador Dali dhe stilistja Elsa Schiaparelli kanë bashkëpunuar dhe frymëzuar njëri -tjetrin gjatë gjithë karrierës së tyre. Ata krijuan pamje ikonike të tilla si Lobster Dress, The Shoe Hat dhe The Tear Dress që tronditën dhe frymëzuan auditorët si në art ashtu edhe në modë. Dali dhe Schiaparelli hapën rrugën për bashkëpunim të ardhshëm midis stilistëve dhe artistëve të modës, duke kapërcyer hendekun midis asaj që konsiderohet art i veshshëm dhe modës. Dali përdori karavidhet si një temë të përsëritur në punën e tij dhe ishte i interesuar për anatominë e tyre.

Veshja "Omar" është një punë e përbashkët e Elsa dhe Dali, dhe krijimi i tyre shkaktoi shumë polemika jo vetëm në ditën e debutimit të saj, por edhe pas saj. Së pari, ajo ka një bust të tejdukshëm dhe një skaj të bardhë organza. Veshja e pazakontë fjalë për fjalë shpërtheu botën e modës, duke shkaktuar shumë polemika në këtë pikë. Përdorimi i rrobave të bardha gjithashtu bie në kontrast me ngjyrën e kuqe të karavidheve. E bardha mund të konsiderohet e virgjër ose që simbolizon pastërtinë në krahasim me të kuqen, që mund të nënkuptojë qetësi, fuqi ose rrezik.

Skeletet janë një temë tjetër e gjetur në artin surreal dhe janë përdorur në më shumë bashkëpunime midis Dali dhe Schiaparelli. Fustani i Skeletit ishte i pari i këtij lloji. Elsa përdori një teknikë të quajtur trapunto, ku dy shtresa pëlhure janë të qepura së bashku, duke krijuar një skicë ku futet goditja, duke krijuar kështu një efekt të ngritur. Kjo teknikë krijon një sipërfaqe të strukturuar në një pëlhurë të sheshtë, duke dhënë iluzionin se kockat e njerëzve janë spikatur nëpër veshje. Kjo shkaktoi një skandal sepse veshja ishte bërë nga një material elastik që ngjitej në lëkurë. Fantazitë e pikturave dhe vizatimeve të Dali u mishëruan në botën joreale të veshjeve të Schiaparelli, të cilat deri më sot bëjnë një përshtypje të pashlyeshme si për shikuesit ashtu edhe për stilistët.

4. Yves Saint Laurent: Përplasja e Artit dhe Frymëzimi

Ku është kufiri midis imitimit dhe vlerësimit? Kritikët, auditorët, artistët dhe stilistët janë përpjekur të përcaktojnë se ku shkon kjo linjë. Sidoqoftë, kur ishte fjala për Yves Saint Laurent, synimet e tij nuk ishin asgjë më shumë se lajka dhe admirim për artistët dhe pikturat që ai përdori si frymëzim. Duke parë portofolin e tij të madh, Saint Laurent u frymëzua nga kulturat dhe arti nga e gjithë bota, të cilat ai i përfshiu me sukses në veshjet e tij.

Edhe pse Yves kurrë nuk takoi artistët që e frymëzuan, kjo nuk e ndaloi atë të krijonte vepra arti në shenjë respekti për ta. Laurent frymëzoi nga artistë të tillë si Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque dhe Picasso. Ai ishte një koleksionist arti dhe mblodhi piktura nga Picasso dhe Matisse, të cilat i varej në shtëpinë e tij.

Yves mori disa nga motivet e artit dhe i ktheu ato në veshje mahnitëse që i bëjnë homazh disa prej artistëve të tij të preferuar. Vitet 1960 ishin një kohë revolucioni dhe komercializmi, një epokë e re e modës dhe artit. Projektet e Saint Laurent fituan sukses komercial kur ai filloi të marrë frymëzim nga arti pop dhe abstraksioni. Në vitin 1965, ai krijoi njëzet e gjashtë veshje të frymëzuara nga pikturat abstrakte nga Piet Mondrian. Fustanet mishëronin përdorimin e Mondrian të formave të thjeshta dhe ngjyrave kryesore të guximshme. Yves përdori një teknikë në të cilën asnjë shtresë nuk ishte e dukshme midis shtresave të rrobave, e cila dha përshtypjen se rrobat ishin një copë e tërë. Saint Laurent mori artin e Mondrian nga vitet 1920 dhe e bëri atë të vishet në krahasim me vitet 1960.

Veshjet e modës janë shembuj klasikë të stilit të viteve 1960. Ato ishin të ngjashme me veshjet e viteve 1920 që ishin më pak të kufizuara dhe kishin mëngë dhe shtresë të kuqe që ekspozonin njolla të mëdha të lëkurës. Siluetat katrore të Saint Laurent i bënë gratë të ndihen të lehta dhe të lira. Kjo gjithashtu e çoi atë në frymëzim nga artistët e artit pop si Tom Wesselman dhe Andy Warhol. Ai krijoi një linjë modelesh të frymëzuara nga arti pop që shfaqnin silueta dhe prerje në veshjet e tij. Bëhej fjalë për kapërcimin e kufizimeve të asaj që është abstraksioni në art dhe komercializimin e dizajnit. Laurent i bashkoi këto dy ide për të krijuar rroba për gratë që janë falas dhe tërheqëse për zonjat moderne.

Xhaketat Vincent Van Gogh të Saint Laurent janë një shembull se si Yves kombinoi frymëzimin e artistit me talentet e tij të projektimit. Ashtu si veshjet e tij të tjera, temat e lidhura me artistin nuk u kopjuan dhe ngjitën në veshjet e Saint Laurent. Në vend të kësaj, ai zgjodhi t'i përdorë ato si një burim frymëzimi dhe të krijojë pjesë që pasqyrojnë stilin e tij. Xhaketa është një shembull i stilit të viteve '80, i cili është i qëndisur me luledielli në stilin piktoresk të Van Gogh.

Laurent ka bashkëpunuar me Maison Lesage, një udhëheqëse në qëndisjen e modës së lartë. Xhaketa "Luledielli" është e qëndisur me rruaza tubulare. Lulet janë të mbushura me nuanca të ndryshme të shkëlqimeve portokalli dhe të verdha. Kjo krijon një strukturë shumëdimensionale të ngjashme me teknikën e Van Gogh për aplikimin e bojës së trashë në kanavacë. Vlerësohet të jetë një nga artikujt më të shtrenjtë të modës së lartë të prodhuar ndonjëherë dhe shitur në Christie's për gati katërqind mijë euro. Saint Laurent hapi rrugën për të veshur veshje si një vepër arti në vetvete, pavarësisht nga moda dhe periudha kohore.

Duke vazhduar temën, lexoni edhe për ajo që e çoi Saeko Yamaguchi drejt suksesit, duke e bërë atë një nga muzat më të dashura të Kenzo dhe Yamamoto.