Veshjet e famshme në pikturë, me të cilat mund të gjykoni se cila ishte moda e epokës

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. E modifikuara e fundit: 2023-12-16 00:17

Që nga kohra të lashta, arti dhe moda kanë ndikuar në njëri -tjetrin, duke i detyruar kritikët dhe fashionistët të ndjekin nga afër tendencat e reja duke zëvendësuar me nxitim njëri -tjetrin. Dhe ndërsa disa po vlerësonin figurën në aspektin e karakteristikave teknike, të tjerët vrapuan te rrobaqepësit në mënyrë që së shpejti të merrnin një fustan pikërisht si ai i heroinave të përshkruara në kanavacë.

1. Rilindja

Rilindja ishte një kohë e ringjalljes kulturore dhe artistike pasi klasicizmi bëri një kthim revolucionar në shoqëritë evropiane. Sidoqoftë, kjo periudhë gjithashtu pa ndryshime të rëndësishme në modë. Shihni se si veshjet e famshme në piktura ndikuan në modën gjatë Rilindjes.

"Portreti i Çiftit Arnolfini" nga Jan van Eyck është një nga elementët kryesorë të studimit të pëlhurës në pikturën e portreteve. Rrobat e leshta të gjelbërta të smeraldit dhe mëngët e veshura me erminë demonstrojnë statusin e familjes, pasi vetëm të pasurit mund të përballonin këtë lloj pëlhure. Leshi, mëndafshi, kadifeja dhe leshi ishin të rralla dhe më të shtrenjta për t'u prodhuar sesa pambuku ose liri, dhe ishin një simbol i statusit dhe pasurisë. Një nga pyetjet më të diskutueshme rreth pikturës është nëse gruaja e përshkruar (me sa duket gruaja e Arnolfinit) është shtatzënë. Fundet e Rilindjes ishin aq të harlisura dhe të rënda sa gratë i ngritën ato për ta bërë më të lehtë lëvizjen.

Palosjet e shtrembëruara të veshjes tregojnë gjithashtu një prirje drejt përshkrimit të grave me bark të theksuar, pasi la të kuptohej për ngjizjen e fëmijëve gjatë martesës. Një shembull tjetër i kësaj është Les Très Riches Heures du Duc de Berry nga vëllezërit Limburg. Në të dy imazhet, gratë janë përshkruar me bark më të rrumbullakosur. Libri madhështor i orëve të Dukës së Berry përshkruan një martesë dhe është e krahasueshme me portretin e Arnolfini, pasi të dy gratë projektojnë një imazh të amësisë në pritje të shtatzënisë. Pa e parë pikturën nga një perspektivë moderne, mund ta shihni atë si një regjistrim të asaj që gratë kishin veshur dhe çfarë ishte e rëndësishme që njerëzit t'u tregonin të tjerëve.

2. Periudhat barok dhe rokoko

Periudhat barok dhe rokoko karakterizohen nga dekor i hollë, dekadencë dhe lojë. Këto tendenca u shfaqën jo vetëm në art, por edhe në modë përmes zbukurimeve të ndërlikuara dhe veshjeve luksoze. Hidhini një sy disa prej fustaneve të famshëm të frymëzuar nga arti.

Vëmendja e një artisti të panjohur për detajet dhe veshjen është ajo që i bën Elizabeth Clark Frick (Znj. John Frick) dhe Little Mary një rekord të rëndësishëm të Puritanëve të New England. Në këtë pamje, Elizabeth vesh pëlhura dhe pajisje të shkëlqyera amerikane nga vitet 1600. Qafa e saj e bardhë me dantella tregon dantellën popullore evropiane që gjendet tek gratë aristokratike. Një fustan prej kadifeje të qëndisur me ar është e dukshme nga poshtë veshjes së saj, dhe shirita zbukurojnë mëngët. Gjithashtu, një grua ka bizhuteri: një gjerdan margaritar, një unazë ari dhe një byzylyk me granatë, e cila nga ana tjetër flet për statusin dhe prosperitetin. Kjo pikturë ofron një perspektivë unike mbi jetën puritanike të Elizabeth dhe familjes së saj.

Vlen gjithashtu të përmendet fakti që artisti arriti me mjeshtëri të përziente imazhet e pasurisë në një mjedis modest. Piktura tregon qartë pasurinë e Elizabeth, duke nxjerrë në pah veshjet dhe bizhuteritë e saj më të mira. Ai gjithashtu pasqyron pasurinë e burrit të saj, John Frick, i cili mund të përballonte të përmbushte çdo tekë të gruas së tij duke i blerë asaj lloje të ndryshme veshjesh dhe bizhuteri. Për më tepër, fotografia simbolizon qëndrimin e tyre puritan të mirënjohjes ndaj Zotit, sepse pa bekimin e Tij ata nuk mund të kishin një luks të tillë.

Swing nga Jean-Honore Fragonard është një shembull i stilit rokoko në qarqet aristokratike franceze. Piktura u porosit privatisht kur një oborrtar francez i kërkoi artistit të pikturonte portretin e tij dhe të zonjës së tij. Përkundër faktit se piktura u mbajt pas dyerve të mbyllura, ajo zbulon luksin, mendjelehtësinë dhe natyrën e fshehtë të oborrit mbretëror francez.

Fustani rozë pastel spikat mes kopshtit të harlisur dhe është në qendër të vëmendjes. Jean e pikturoi fustanin me goditje të lirshme furçash që imitojnë fundet e gjera dhe bustin e fryrë të veshjes së saj. Furça e tij e lirshme përputhet me komplotin e kësaj skene idilike të kopshtit të mbushur me imazhe flirtuese dhe çuditëse.

Piktura e tij gjithashtu shfaq tendencat e vendosura në oborrin francez për modën. Rokoko tejkaloi modën, artin dhe arkitekturën për të krijuar diçka unike franceze. Moda e rokokos përfshinte pëlhurat më luksoze, duke përfshirë mëndafshët me ngjyrë pastel, kadife, dantella dhe modele me lule, si dhe një sasi të tepërt harqesh, gurë të çmuar, zbukurime dhe zbukurime zbukuruese për të krijuar një pamje që oborrtarët dhe mysafirët do të përdridheshin. kanë kokat e tyre. Stili përcaktoi ndryshimin midis të varfërve dhe të pasurve, pasi aristokracia mund të përballonte luksin e pëlhurave dhe stolive të hollë. Për gratë që veshin këto veshje të frymëzuara nga rokoko, piktura është mishërimi i oborrit mbretëror francez para revolucionit.

3. Veshjet e famshme në pikturat e shekullit XIX

Shekulli 19 pa një ndryshim artistik nga neoklasicizmi në modernizmin e hershëm, duke i lënë vendin stileve dhe shkollave të mendimit. Ky shekull gjithashtu pa një ndryshim në modë. Lexoni për të parë se si pikturat ndikuan në shfaqjen e veshjeve dhe stileve të famshme që ishin dukshëm më moderne se më parë.

Arti për Artin u lidh me Simfoninë në të Bardhë Nr. 1 nga James Abbott McNeill Whistler, i cili synonte t'i jepte pikturës një kuptim shpirtëror. Kritikët, megjithatë, nuk i panë të gjitha këto, pasi piktura përshkruante zonjën e artistit, të veshur me një fustan të bardhë të lehtë. Si rezultat, ky portret u bë skandaloz. Gjatë viteve 1800, veshjet e grave shpesh përfshinin një fustan crinoline të bërë prej çeliku. Gratë gjithashtu vishnin korse midis një sërë artikujsh të tjerë të brendshme për të qenë në gjendje të krijonin funde më të gjera.

"Gruaja me të bardha" është e kundërta e plotë e asaj që ishte në modë dhe e profilit të lartë në atë kohë. Veshja e personazhit kryesor të përshkruar në figurë ishte një lloj të brendshme që mund ta shihte ose një burrë ose një dashnor, pasi besohej se rroba të tilla ishin shumë të lehta për tu hequr. Për Whistler, muza e tij duhej të ishte pjesë e një skene që ishte e këndshme për syrin. Ai e portretizoi Hiffernan ashtu siç e pa, dhe për shikuesit në atë kohë, fotografia ishte edhe konfuze edhe pak e pahijshme. Sidoqoftë, me ardhjen e vitit 1900, një veshje e tillë u bë normë për veshjen e përditshme.

James Tissot krijoi shumë piktura që përshkruajnë modën e grave në fund të viteve 1800. Ai ishte përpara modës evropiane dhe është i njohur për pikturimin e temave të tij me tendencat e fundit të modës në mendje. Moda e grave filloi të ndryshojë midis zonjave të reja në Paris dhe Londër në fund të viteve 1800. Fundet e gjera dhe të rënda të paraardhësve të tyre viktorianë u zëvendësuan me ato më të ngushta me palosje të fryra në pjesën e pasme.

Në pikturën "Miss Lloyd", heroina është e veshur me një fustan siç ishte veshur në shoqërinë e asaj kohe, duke theksuar figurën e ngushtë të belit dhe orës. "Portreti i Kathleen Newton" (shoqëruesi i tij i atëhershëm) është e kundërta e plotë e imazhit të Miss Lloyd. Artisti portretizoi një grua me një fustan sikur rrezatonte lodhje dhe joshje. Sidoqoftë, të dy gratë kanë hijeshinë dhe misterin e tyre të veçantë që i rrethon. Veshja në vetvete simbolizon dallimet në kulturën popullore në atë kohë. Një imazh është tradicional dhe konvencional, ndërsa tjetri është sinqerisht intim dhe skandaloz për shikuesit në vitet 1800.

John Singer Sargent krijoi imazhin e një gruaje, e cila, megjithëse e papranueshme për kohën e tij, u bë një nga pikturat e tij më të njohura dhe të nderuara. Ky është një portret i Madame Virginie Gautreau, një bukuroshe amerikane e përzier me shoqërinë e lartë franceze. Kjo shkaktoi një skandal të tillë që vetë Gjonit iu desh të largohej nga Parisi për në Londër.

Korseja e saj është jashtëzakonisht e drejtuar në pjesën e poshtme të barkut. Shiritat e mprehtë, të thellë me qafe dhe rruaza me rruaza mezi mbulojnë shpatullat dhe ekspozojnë ato që konsideroheshin pjesë intime të një gruaje, të papërshtatshme për shfaqje publike. Pasi Sargent paraqiti pikturën në Sallonin e Parisit të vitit 1884, ajo shkaktoi zemërim nga kritikët dhe spektatorët, sepse nuk është e përshtatshme që një grua e martuar e klasës së lartë të jetë në një formë kaq provokuese. Publikut në Sallon iu duk se heroina e figurës kishte veshur të brendshme, jo një fustan. Dhe reputacioni i Gautreau në sytë e njerëzve filloi të binte në zero, sepse shumë e konsideruan atë një person të turpshëm. Përfundimisht Sargent hoqi emrin e saj nga portreti, duke e riemëruar atë "Madame X".

4. Veshjet e famshme në pikturat e shekullit XX

Arti në shekullin XX u përqëndrua në abstraksion dhe shprehje, duke pësuar ndryshime të rëndësishme me stile dhe tema të reja. Ajo gjithashtu çoi në eksplorimin e formave dhe sintezave të reja të modës dhe artit. Këtu shfaqen veshjet e famshme të paraqitura në piktura gjatë shekullit të njëzetë.

Veshja e artë e Adele Bloch-Bauer dallohet nga pjesa tjetër e veshjeve të shoqërisë së lartë të kohës së saj. Në vend që të portretizojë një grua të klasës së lartë duke pushuar në një kopsht ose duke lexuar në një shtrat, Klimt e shndërron Adele në një figurë të botës tjetër. Veshja e saj është një figurë rrotulluese e mbushur me trekëndësha, sy, drejtkëndësha dhe ikonografi. Nuk ka shenja të lidhjes së drejtë të korseve ose shtresave të veshjeve. Moderne përmban tema të natyrës dhe imazhe mitike. Kjo vlen edhe për modën bohem, të cilën Gustav e kishte veshur dhe përdorur në piktura të ndryshme të tjera.

Ai shpesh pikturonte vizatime të krijuara nga stilistja Emily Flege. Ajo nuk është aq e njohur në botën e modës sa bashkëkohësit ose paraardhësit e saj, por ajo bëri mirë në krijimin e modës për gratë e kohës së saj. Ndonjëherë ishte një bashkëpunim, pasi Gustav përdori veshjet e saj të famshme në shumë nga pikturat e tij të tjera.

Tamara Lempicka krijoi portrete që eksploruan feminitetin dhe pavarësinë në vitet 1920. Artistja Art Deco u bë e njohur për portretet e saj të të famshëmve që eksploruan formën e stilizuar dhe të lëmuar të Kubizmit që u bë markë e saj tregtare. Ira Perrault (një shoqe e ngushtë dhe zonja e mundshme e Lempicki) shihet si një shfaqje e mirëfilltë e muzikës në La Musicienne. Ajo që e bën fotografinë të dallohet është përshkrimi i saj i një fustani blu. Teknika e ashpër e hedhjes së hijes së Tamarës me gamën e saj të pasur të ngjyrave i jep lëvizje veshjes kështu që duket se po lundron në ajër. Buzë e shkurtër e veshjes dhe palosjet që rrjedhin ende të kujtojnë modën e viteve 1920 që ishte një pikë kthese në modën e grave. Gratë mbanin fustane që ekspozonin këmbët dhe krahët e tyre, dhe funde me rrudha që e bënin më të lehtë vallëzimin.

Tamara u frymëzua dhe studioi nga mjeshtërit e Rilindjes dhe përdori tema të ngjashme me një qasje moderne. Tradicionalisht, blu mund të shihet në veshjet e Virgjëreshës Mari në pikturat mesjetare ose të Rilindjes. Blu blu ultramarine ishte e rrallë dhe u përdor për piktura të rëndësishme.

Pëlhura meksikane shumëngjyrëshe dhe të punuar me dorë janë të endura në punën e Frida Kahlo. Ajo i përqafoi këto veshje si pjesë e trashëgimisë së saj dhe i veshi në autoportrete dhe fotografi të shumta. Veshjet e famshme të paraqitura në The Two Fridas simbolizojnë lidhjet e saj me të dy anët e trashëgimisë së saj evropiane dhe meksikane.

Frida në të majtë pasqyron edukimin e saj në një familje të klasës së mesme të lartë. Babai i saj ishte me origjinë nga Gjermania, dhe jeta shtëpiake si fëmijë përmbante zakonet perëndimore. Dantella e bardhë e veshjes simbolizon stilin e njohur në modën evropiane. Ky version i perëndimorizuar bie në kontrast me dëshirën e krahut të djathtë Frida për të përqafuar trashëgiminë e saj meksikane duke veshur një fustan tradicional. Këto veshje janë diçka që burri i saj Diego Rivera e inkurajoi, veçanërisht në përpjekjen e tyre për të ndryshuar vendin e tyre. Veshja tregoi krenarinë e saj për të veshur veshje vendase dhe tradicionale nga Meksika.

Veshja e Kahlo është një aspekt i rëndësishëm i jetës dhe punës së saj. Pasi ajo u infektua me poliomielit në fëmijëri dhe njëra këmbë u bë më e shkurtër se tjetra, fundet shumëngjyrëshe u bënë një mënyrë për të që ajo të fshehte këmbën në atë mënyrë që ta mbronte nga kontrolli. Veshjet e artistit përfshinin fustane tehuana, bluza huipil, rebozo, mbulesa me lule dhe bizhuteri antike. Këto veshje për Kahlo janë një ilustrim i dashurisë, dhimbjes dhe vuajtjes së saj, të cilat ajo i përfshiu në punën e saj.

Rreth, si ka ndryshuar kimono gjatë shekujve dhe çfarë roli ka luajtur në art dhe modën moderne, lexoni artikullin tjetër.